Claribel Alegría (1924-2018) fue una escritora, poeta y
activista salvadoreña-nicaragüense. Nació en Estelí, Nicaragua, pero vivió gran
parte de su vida en El Salvador y luego en Estados Unidos. Alegría se convirtió
en una de las voces más importantes de la poesía centroamericana del siglo XX,
y su obra literaria se caracteriza por una fuerte preocupación por las
cuestiones sociales y políticas de su época, así como por la exploración de la
memoria y la identidad.
Alegría comenzó su carrera literaria en la década de 1940,
escribiendo cuentos y poesía. En 1953 publicó su primer libro de poemas,
"Anillo de silencio". En 1955 se casó con el poeta y periodista
nicaragüense Darwin J. Flakoll, con quien colaboró en varios proyectos
literarios y periodísticos. En 1969, la pareja se mudó a El Salvador, donde
Alegría trabajó como editora en la revista cultural "La Universidad".
En 1979, Alegría y Flakoll se exiliaron en Estados Unidos
debido a la guerra civil en El Salvador. En su exilio, Alegría continuó
escribiendo y publicando poemas, ensayos y novelas, y se convirtió en una
figura importante en la lucha por los derechos humanos y la justicia social en
Centroamérica. Fue miembro fundadora del Centro de Escritores de Centroamérica
y del Caribe, y recibió numerosos premios y reconocimientos por su trabajo literario
y su activismo social.
Algunas de las obras más destacadas de Claribel Alegría son:
·"Anillo de silencio" (1953)
·"Las poéticas del silencio" (1958)
·"No me agarran viva: la mujer salvadoreña
en lucha" (1983, ensayo)
·"Saudade" (1985, poemario)
·"Ashes of Izalco" (1989, novela
histórica, escrita en colaboración con Darwin J. Flakoll)
La ciudad y los perros es una novela del
escritor peruano Mario Vargas Llosa, publicada en 1963. La obra es considerada
como una de las obras cumbre de la literatura hispanoamericana del siglo XX y
ha sido traducida a varios idiomas. La trama se desarrolla en el Colegio
Militar Leoncio Prado, una escuela militar de Lima, y se centra en la vida de
los cadetes que estudian allí.
La novela
explora temas como la violencia, la masculinidad, la lealtad, la corrupción, la
opresión y la libertad. Los personajes son presentados con profundidad
psicológica y se muestran como individuos complejos y contradictorios. El
protagonista, Ricardo Arana, es un joven cadete que se encuentra en un
constante conflicto interno debido a su deseo de independencia y su necesidad
de pertenecer al grupo. Otro personaje importante es Jaguar, un cadete violento
y abusivo que domina a los demás cadetes.
La novela
utiliza técnicas narrativas innovadoras, como la narración en tercera persona,
el uso de monólogos interiores y el salto entre diferentes puntos de vista.
También se destaca por su lenguaje poético y su capacidad para mostrar la
realidad de la sociedad peruana de la época.
La ciudad y
los perros es una crítica a la sociedad peruana y a su sistema educativo. La
obra muestra cómo la violencia y la opresión son parte del sistema, y cómo los
jóvenes se ven atrapados en una cultura de violencia que los marca para
siempre. La novela también presenta una visión pesimista de la vida, en la que
los personajes no logran escapar de su destino y están atrapados en una
sociedad que los oprime.
En resumen, La
ciudad y los perros es una novela profundamente conmovedora y crítica, que
utiliza una técnica narrativa innovadora y un lenguaje poético para mostrar la
complejidad de la sociedad peruana y sus problemas. La obra es una reflexión
sobre la naturaleza humana y la violencia, y su impacto en las personas y en la
sociedad.
La ciudad y
los perros también se destaca por su estructura narrativa compleja y por la
forma en que Vargas Llosa juega con el tiempo y el espacio. La novela se
desarrolla en dos líneas de tiempo: la primera, que se enfoca en la vida de los
cadetes en el Colegio Militar, y la segunda, que muestra a los mismos
personajes años después, cuando ya han dejado la escuela y han seguido caminos
diferentes. Este enfoque permite al autor explorar temas como la memoria, la
nostalgia y la pérdida.
Además, la
novela se divide en cuatro secciones, cada una de las cuales está narrada desde
el punto de vista de un personaje diferente. Esto permite al autor mostrar la
complejidad de los personajes y cómo diferentes personas pueden tener
perspectivas diferentes de los mismos eventos.
Otro tema
importante que se explora en la novela es la construcción de la identidad
masculina. Los cadetes del Colegio Militar se ven obligados a conformarse a
ciertos estereotipos masculinos para ser aceptados en el grupo, lo que lleva a
situaciones de violencia y abuso. Ricardo, el protagonista, se debate
constantemente entre la necesidad de encajar en el grupo y su deseo de ser fiel
a sí mismo, lo que lo lleva a una crisis existencial.
En cuanto al
lenguaje, La ciudad y los perros es una obra rica en simbolismo y metáforas.
Vargas Llosa utiliza un lenguaje poético y metafórico para mostrar la realidad
social y psicológica de los personajes. La novela también es un retrato preciso
de la sociedad peruana de la época, con sus problemas de corrupción,
desigualdad social y discriminación.
En conclusión,
La ciudad y los perros es una obra maestra de la literatura latinoamericana que
aborda temas universales como la violencia, la identidad, la lealtad y la
libertad. El enfoque narrativo innovador y el lenguaje poético hacen de esta
novela una lectura imprescindible para cualquier amante de la literatura.
"Rayuela"
es una novela escrita por Julio Cortázar, publicada en 1963. La obra está
dividida en 155 capítulos y presenta una estructura no lineal, lo que significa
que el lector puede elegir el orden en que desea leer los capítulos, lo que le
da un carácter interactivo y original a la novela.
La historia
gira en torno a Horacio Oliveira, un intelectual argentino que vive en París.
La trama se desarrolla a medida que Horacio experimenta con diferentes
relaciones amorosas, drogas y filosofías. A lo largo de la novela, se exploran
temas como la identidad, la libertad, la soledad, el amor y la muerte.
Una de las
características más destacadas de la novela es su estilo literario, que combina
diferentes técnicas narrativas, como la prosa poética, el lenguaje coloquial y
el diálogo interno. Además, la novela incluye múltiples referencias culturales,
desde la música y el arte hasta la filosofía y la política.
En
"Rayuela", Cortázar rompe con las convenciones narrativas
tradicionales y ofrece una experiencia literaria única y desafiante para el
lector. A través de su estructura no lineal, el autor invita al lector a
explorar diferentes posibilidades y caminos en la historia, lo que le da un
papel activo en la interpretación de la novela.
En resumen,
"Rayuela" es una obra literaria innovadora y desafiante que explora
temas universales a través de una trama compleja y no lineal. La novela es un
clásico de la literatura latinoamericana y ha sido aclamada por su estilo
literario único y su capacidad para desafiar las convenciones narrativas
tradicionales.
Otra
característica que destaca en "Rayuela" es el uso constante de juegos
y acertijos. La novela está llena de referencias literarias, artísticas y filosóficas,
lo que hace que el lector tenga que estar atento a las pistas que se le
presentan para poder descifrar el significado detrás de la historia.
La novela
también está llena de simbolismos. Por ejemplo, el juego de la rayuela se
convierte en una metáfora para la búsqueda de la libertad y la exploración de
diferentes caminos. La imagen de Oliveira y la Maga jugando a la rayuela juntos
representa la unión temporal de dos seres que buscan algo más allá de lo que
tienen en su vida cotidiana.
La figura de
Oliveira es también un personaje complejo y enigmático, con múltiples facetas y
contradicciones. Su búsqueda de la libertad y la identidad se refleja en su
búsqueda constante de la Maga, su amor imposible, y su experimentación con
diferentes filosofías y drogas.
Otro tema
central en la novela es la reflexión sobre el papel del arte y la literatura en
la sociedad. A través del personaje de Morelli, un artista que crea obras que
no pueden ser apreciadas por el público común, Cortázar plantea la pregunta de
si el arte puede o no tener un impacto significativo en la sociedad.
En resumen,
"Rayuela" es una obra literaria compleja y desafiante que utiliza diferentes
técnicas narrativas para explorar temas universales como la identidad, la
libertad, el amor y la muerte. El uso constante de juegos y acertijos, la
figura enigmática de Horacio Oliveira y la reflexión sobre el papel del arte y
la literatura hacen de esta novela una obra innovadora y atemporal que ha sido
aclamada como uno de los clásicos de la literatura latinoamericana.
Además de las
características literarias ya mencionadas, "Rayuela" también tiene un
fuerte componente político y social. La novela fue escrita en un momento de
agitación política en Latinoamérica, con el surgimiento de movimientos
revolucionarios y la lucha por la independencia y la justicia social.
Cortázar
utiliza la figura de Oliveira para reflexionar sobre el papel del intelectual
en la sociedad y su responsabilidad en el cambio social. La novela aborda temas
como el exilio, el imperialismo y la opresión política, lo que hace que su
lectura sea relevante aún hoy en día.
La estructura
no lineal de la novela también se puede interpretar como una crítica a la
linealidad y la rigidez de las sociedades opresivas y autoritarias. La libertad
de elegir el orden en que se leen los capítulos es una forma de rebelión contra
las estructuras preestablecidas y la imposición de una sola forma de pensar.
Otro aspecto
destacado en "Rayuela" es el papel de la música y la improvisación,
tanto en la trama como en el estilo literario. La novela incluye múltiples
referencias a la música, especialmente al jazz y al tango, y utiliza la
improvisación como una forma de expresión y creación.
En conclusión,
"Rayuela" es una obra literaria compleja y multifacética que aborda
temas universales y políticos a través de una trama no lineal y un estilo
literario innovador. La novela es un clásico de la literatura latinoamericana y
ha sido aclamada por su capacidad para desafiar las convenciones narrativas y
sociales. Su relevancia sigue vigente hoy en día y es una lectura
imprescindible para cualquier amante de la literatura.
"El amor en los tiempos del cólera" es una novela del
escritor colombiano Gabriel García Márquez, publicada en 1985. La novela cuenta
la historia de Florentino Ariza y Fermina Daza, dos personajes que se conocen
en su juventud y se enamoran profundamente, pero son separados por las
circunstancias de la vida. A pesar de ello, Florentino Ariza mantiene su amor
por Fermina durante más de cincuenta años, y finalmente, cuando Fermina queda
viuda, los dos se reencuentran y reavivan su romance.
La novela es un retrato de la sociedad caribeña del siglo XIX, y
presenta una rica descripción de la vida en la ciudad portuaria de Cartagena de
Indias en Colombia. García Márquez utiliza su característico estilo de realismo
mágico, mezclando elementos fantásticos con la realidad cotidiana para crear
una atmósfera de ensueño y poesía.
Uno de los temas principales de la novela es el amor verdadero y la
pasión duradera, que se presentan como algo que puede sobrevivir al paso del
tiempo y a la distancia. Florentino Ariza es un personaje que encarna este amor
incondicional, y la novela muestra cómo su amor por Fermina lo motiva a llevar
una vida de celibato y dedicarse a su trabajo en la compañía de navegación del
río Magdalena, con la esperanza de algún día reunirse con ella.
Otro tema importante de la novela es el papel de la mujer en la
sociedad caribeña del siglo XIX. Fermina Daza es un personaje que desafía los
estereotipos de la mujer sumisa y pasiva de la época, y se presenta como una
mujer fuerte e independiente, que toma sus propias decisiones y tiene un gran
poder de voluntad. La novela muestra cómo Fermina lucha por su independencia y
libertad, incluso en un contexto en el que las mujeres estaban sometidas a las
expectativas sociales y a los roles de género.
En resumen, "El amor en los tiempos del cólera" es una novela
que combina elementos de realismo mágico con una historia de amor épica, y
ofrece una reflexión sobre temas importantes como el amor verdadero, la pasión,
la independencia femenina y la lucha contra los estereotipos de género. Es una
obra maestra de García Márquez, que ha sido aclamada por la crítica y el
público como una de las mejores novelas de la literatura latinoamericana.
es importante destacar la presencia de otros temas en la novela, como
la enfermedad y la muerte. El cólera, una enfermedad altamente contagiosa que
se extendió por América Latina en el siglo XIX, es un elemento recurrente en la
novela, y se utiliza como una metáfora de la decadencia y la corrupción de la
sociedad. La muerte también está presente en la novela de diversas formas, como
en la descripción de funerales y cementerios, y en la reflexión sobre la mortalidad
y la fugacidad de la vida.
Otro tema importante en la novela es la tensión entre la vida urbana y
la vida rural. García Márquez retrata la ciudad de Cartagena de Indias como un
lugar de modernidad y progreso, pero también como un lugar de corrupción y
decadencia. Por otro lado, la vida en las zonas rurales se presenta como un
lugar de tradición y autenticidad, pero también como un lugar de atraso y
pobreza.
Además, la novela también aborda temas relacionados con la política y
la historia de Colombia. Aunque la historia personal de los personajes es el
foco principal de la novela, García Márquez utiliza su obra para hacer
comentarios sobre la situación política y social del país en diferentes épocas.
La novela presenta una visión crítica del poder y la corrupción, y muestra cómo
la sociedad colombiana ha sido afectada por la violencia, la pobreza y la
desigualdad.
En conclusión, "El amor en los tiempos del cólera" es una
novela que aborda una gran variedad de temas importantes, como el amor, la
enfermedad, la muerte, la vida urbana y rural, la política y la historia. Es
una obra compleja y rica, que utiliza el estilo de realismo mágico
característico de García Márquez para crear una atmósfera de ensueño y poesía,
y que ha sido aclamada como una de las mejores novelas de la literatura
latinoamericana.
"Cien años de soledad" es una novela del escritor colombiano
Gabriel García Márquez, publicada en 1967. La obra es considerada una de las
más importantes y destacadas de la literatura latinoamericana y ha sido
traducida a numerosos idiomas.
La novela es una saga que relata la historia de la familia Buendía, que
funda y habita el pueblo ficticio de Macondo. A lo largo de la obra, el lector
acompaña a los personajes en su desarrollo personal y en la evolución de la
sociedad en la que viven.
El estilo narrativo de García Márquez es una de las características más
destacadas de la novela. El autor utiliza una prosa poética y una estructura
circular, en la que los mismos temas, imágenes y símbolos aparecen una y otra
vez, creando una sensación de eterno retorno. El realismo mágico es también una
técnica literaria que García Márquez utiliza en la novela, integrando elementos
fantásticos y mágicos en una realidad cotidiana.
La novela aborda temas universales como la soledad, la búsqueda de la
identidad, la mortalidad, la política, la religión y el amor. García Márquez
utiliza a la familia Buendía para reflejar la historia y las problemáticas de
América Latina, como el colonialismo, el imperialismo y la dictadura.
"Cien años de soledad" ha sido objeto de múltiples interpretaciones
y análisis literarios, y ha influido en la literatura mundial. La novela ha
sido considerada una obra maestra del siglo XX y ha recibido numerosos premios
y reconocimientos, entre ellos el Premio Nobel de Literatura en 1982.
Además, "Cien años de
soledad" destaca por su riqueza en personajes complejos y simbólicos. La
novela presenta una amplia gama de personajes, desde los fundadores de Macondo
hasta sus descendientes, cada uno con sus propias historias, conflictos y
personalidades únicas. Los personajes reflejan no solo las particularidades de
la sociedad latinoamericana, sino también la condición humana en general.
En cuanto a la estructura de la
novela, García Márquez utiliza un enfoque no lineal y fragmentario para narrar
la historia de la familia Buendía y el pueblo de Macondo. La trama no sigue una
estructura cronológica convencional, sino que salta hacia atrás y hacia
adelante en el tiempo, lo que puede desorientar al lector. Sin embargo, esta
estructura compleja permite a García Márquez explorar temas universales como la
memoria, la identidad y el tiempo de manera más efectiva.
La novela también destaca por su
crítica social. García Márquez utiliza la historia de la familia Buendía para
explorar los temas políticos y sociales que afectan a América Latina, como el
colonialismo, la violencia, la corrupción y la lucha por la independencia.
Además, el autor utiliza la literatura como una herramienta para cuestionar las
narrativas oficiales y para dar voz a los marginados y los oprimidos.
En resumen, "Cien años de
soledad" es una obra literaria compleja y rica, que aborda una amplia gama
de temas universales y que utiliza una variedad de técnicas narrativas para
explorar la condición humana y la historia de América Latina. La novela es una
de las obras más importantes y reconocidas de la literatura mundial y sigue
siendo objeto de estudio y admiración por parte de los lectores y los críticos
literarios.
La novela Don Quijote de la Mancha, escrita por Miguel de Cervantes en
el siglo XVII, es considerada una de las obras maestras de la literatura
española y una de las más importantes de la literatura universal. La obra es
una sátira de la sociedad española de la época y de las novelas de caballería,
que eran muy populares en esa época.
La novela está dividida en dos partes: la primera se publicó en 1605 y
la segunda en 1615. La obra cuenta la historia de un hidalgo llamado Alonso
Quixano que, tras leer demasiadas novelas de caballería, decide convertirse en
un caballero andante y salir en busca de aventuras. Para ello, se transforma en
Don Quijote y se hace acompañar por su fiel escudero, Sancho Panza.
La obra es una crítica a las novelas de caballería, que en la época
eran consideradas un género literario de prestigio, pero que en realidad eran
historias absurdas y fantasiosas que fomentaban la violencia y la misoginia.
Don Quijote, en su locura, busca vivir como los héroes de esas novelas, y sus
aventuras son una sátira de los estereotipos y convenciones del género.
Sin embargo, la obra no se limita a criticar las novelas de caballería.
Cervantes también se burla de la sociedad española de la época, que él ve como
corrupta y decadente. La novela refleja la realidad social y política de la
España del siglo XVII, con sus conflictos religiosos, su pobreza y su
injusticia. Además, Cervantes utiliza la obra para reflexionar sobre temas
universales como el amor, la locura, la libertad y la verdad.
Uno de los aspectos más interesantes de la novela es la complejidad de
sus personajes. Don Quijote es un personaje contradictorio, que al mismo tiempo
que es un loco idealista y soñador, también es un hombre inteligente y
perspicaz. Sancho Panza, por su parte, es un personaje mucho más realista y
pragmático, pero que en cierta medida también es idealista y soñador.
La novela está escrita en un estilo muy innovador para su época, que
combina lo cómico y lo trágico, lo realista y lo fantástico. Cervantes utiliza
técnicas narrativas como la metaficción y la intertextualidad para crear una
obra que es a la vez una parodia de las novelas de caballería y una reflexión
sobre la literatura misma.
En conclusión, Don Quijote de la Mancha es una obra maestra de la
literatura universal que ha sido reconocida como una de las más importantes de
la historia. La novela es una sátira de la sociedad española y de las novelas
de caballería, pero también es una reflexión profunda sobre la condición
humana. La obra es una muestra del genio literario de Miguel de Cervantes y de
su capacidad para crear personajes complejos y situaciones que son a la vez
cómicas y trágicas.
Los signos de
puntuación son elementos esenciales del lenguaje escrito, ya que permiten
organizar las ideas y hacer que el texto sea más claro y fácil de entender para
el lector. Aunque a veces se les da poca importancia, el uso correcto de los
signos de puntuación puede marcar la diferencia entre una comunicación efectiva
y una confusa o ambigua.
En este
artículo, analizaremos los principales signos de puntuación y su uso adecuado
en diferentes contextos y situaciones. Desde la coma hasta el punto y coma,
pasando por el punto, la interrogación, el signo de exclamación y otros, cada
uno de ellos tiene una función específica en la comunicación escrita.
Comencemos por
el signo de coma. La coma se utiliza para separar elementos en una oración,
como palabras, frases o cláusulas. Por ejemplo, en la oración "Fui al
supermercado, compré frutas y verduras, y regresé a casa", las comas
separan cada una de las acciones realizadas.
Otro signo de
puntuación importante es el punto, que se utiliza para marcar el final de una
oración. Además, también se emplea para indicar las abreviaturas, como en
"Sr." para "señor". El punto y coma, por su parte, sirve
para separar elementos relacionados en una oración, pero que no son tan
estrechamente relacionados como para ser parte de la misma cláusula.
El signo de
interrogación se utiliza para marcar preguntas, como en "¿Cómo
estás?". De manera similar, el signo de exclamación se emplea para indicar
sorpresa, emoción o énfasis, como en "¡Qué sorpresa!". Es importante
no abusar de estos signos, ya que su uso excesivo puede hacer que el texto se
vea forzado o exagerado.
Por último,
cabe destacar el punto y aparte y el punto final, que marcan el final de un
párrafo y de un texto, respectivamente. Estos signos son importantes para
separar las ideas y organizar el contenido del escrito de manera clara y
lógica.
En resumen,
los signos de puntuación son esenciales en la comunicación escrita, ya que
permiten estructurar las ideas y hacer que el texto sea más claro y fácil de
entender. Es importante conocer su uso adecuado y no abusar de ellos, para
lograr una comunicación efectiva y atractiva para el lector.
El Siglo de Oro Español puede ser resumido de la siguiente manera; si ordenamos las fechas y acontecimientos tendríamos
una línea de tiempo donde se nos muestra a partir de 1942 en la entrada con
Antonio Nebrija, historiador, poeta y pedagogo, con su “Gramática Castellana”.
Posteriormente en 1681 muere Calderón de la Barca, famoso dramaturgo, su obra
mas celebre es “La vida es un sueño”.
Cabe destacar como hecho de suma importancia es el exilio de los
judíos que por no quererse cristianizar ante el dominio de los reyes católicos
en España, su diáspora resulto en la expansión de la literatura escrita en
español en los países de Europa, Asia y norte de África. Así de esta manera a
finales del siglo XVIIIya era famosa la
expresión del “Siglo de Oro Español”.
Durante este periodo y posteriormente se crean géneros como el
“celestinesco”, basado en la tragicomedia; y la popular novela de Don Quijote
de la Mancha, expuesta por Cervantes.
Lope de Vega expuso formas nuevas de hacer comedias acompañada de
una gran creatividad dramática. Todo esto correspondía a una época de crisis
política, económica y social.
La lengua literaria del Barroco, hace su aparición intelectualizando
el arte de la palabra, transformando la literatura en una especie de
espectáculo. Uno de los máximos exponentes de este género fue Francisco de
Quevedo y Baltasar Gracián quienes la enriquecen y distorsionan con un nuevo
repertorio de cultismos, haciendo el lenguaje expuesto más flexible.
En la poesía del siglo XVI Garcilaso de la Vega, Juan Boscan y Diego
Hurtado de Mendoza introducen el verso endecasílabo italiano (es un verso de
once sílabas de origen italiano que se adoptó en la lírica española durante el
primer tercio del siglo XVI).
Surgieron otros movimientos poéticos en mano de personajes notables
como Francisco Quevedo y Luis de Góngora. El primero de estos es el exponente
de conceptismo, arte el cual llevaba el escrito a su máxima expresión con la
mínima cantidad de palabras, en cambio Luis de Góngora con su arte llamada
“culteranismo” presenta una forma de significado mínimo y de gran complejidad
sintáctica.
En la literatura el gran exponente es sin lugar a dudas Lope de
Vega, quien escribió más de 1.500 obras teatrales, novelas, poemas épicos y
narrativos, y poesía profana, humorística y de carácter religioso.
PEDRO CALDERON DE LA BARCA
La vida es sueño
Pedro Calderon de la Labarca
La vida es sueño
es una obra de Pedro Calderón de la Barca, Publicada por primera vez en 1635,
es una alegoría filosófica acerca de la situación humana y el misterio de la
vida. Centrándose en Segismundo, príncipe de Polonia, el argumento central es
el conflicto entre el libre albedrío y el destino. La obra sigue siendo uno de
los de la Barca de obras más conocido y más estudiado.
Personajes:
·Basilio,
rey de Polonia
·Segismundo,
su hijo, el príncipe de Polonia
·Clotaldo,
un hombre noble (el padre de Rosaura)
·Astolfo,
duque de Moscovia (sobrino de Basilio)
·Estrella,
una princesa (sobrina de Basilio)
·Rosaura,
una dama
·Clarion,
su siervo (gracioso)
·Violante,
la madre de Rosaura
·Soldados
·Guardias
·Músicos
·Asistentes
·Funcionarios
Sinopsis
En el juego, el
rey de Polonia, ha tenido a su hijo Segismundo encarcelado durante toda su vida
porque se ha profetizado que el hijo será un desastre para el país. El rey le
dice a sus súbditos que su hijo murió después del parto. Después de que su hijo
se ha convertido en un hombre, el rey revela a su tribunal de que el hijo de su
vida, y permite que el tribunal de votar a favor de permitir que el hijo a
convertirse en heredero.
Sin embargo, el
hijo resulta ser violentos, matando a un hombre e intentar violación. Porque
éste es drogado y volvió a su prisión, y le dijo al despertar que el día
anterior los eventos fueron más que un sueño. Sin embargo, su carcelero le
regaña por su comportamiento, que pide el remordimiento de Segismundo. Los
rebeldes que están trabajando contra el rey, que han descubierto sobre el
tratamiento de Segismundo, romper lo sacó de prisión. La derrota de los
rebeldes del rey del ejército, sin embargo, Segismundo dudas de nuevo, si es en
la realidad o un sueño, finalmente decidió que, incluso en un sueño que tiene
que portarse bien porque "Dios es Dios", y olvida el rey. La obra
termina en una boda.
Parcela
Acto 1, el primer día
Rosaura,
disfrazada de hombre y acompañada de su escudero, Clarín, se dirige a la corte
real de Polonia para vengarse de Astolfo, que había prometido casarse con ella,
pero la abandonó. Ella lleva una espada que perteneció a su padre, a quien
nunca había conocido. Al llegar a Polonia, al caer la noche, ella se cae de su
caballo, que huye, dejando a su caminata por la montaña a pie. Se vislumbra una
luz en la distancia y sigue a una torre, donde Segismundo ha sido encarcelado
desde su nacimiento. En este punto, Segismundo pronuncia su famoso monólogo,
"¡Ay! Misero de mí, ay, infelice ", expresando su descontento. Él
pregunta por qué se le ha privado de libertad durante toda su vida, cuando las
aves, las bestias, los peces, e incluso los arroyos están libres.
Clotaldo,
carcelero de Segismundo, descubre a Rosaura y Clarín, y los detiene para
llevarlos ante el rey, ya que nadie puede saber acerca de la existencia de
Segismundo. Clotaldo reconoce espada de Rosaura como la suya, y lucha con el
cumplimiento de su deber para con el rey y salvar a su hijo, pero no revela su
dilema a Rosaura.
Astolfo propone a
Estrella. Él quiere casarse con ella ya que ambos son hijos de las hermanas del
rey. Y puesto que el rey no tiene hijos, los dos unidos sería la opción más
clara para el heredero.
El rey, Basilio,
anuncia a su corte que tiene un hijo que se supone que es un gobernante
perverso, por lo que lo había encerrado, pero que él quiere darle la
oportunidad de limpiar su conciencia. Dice que si esto no funciona, él se
bloqueará su hijo de nuevo y dar el trono a los hijos de sus hermanas, ya que
han decidido casarse para unificar su poder.
Clotaldo trae los
cargos de Rosaura y Clarín antes de Basilio, que los indultos ya que él ya ha
decidido revelar el secreto de Segismundo.
Rosaura le revela
a Clotaldo que Astolfo es el que ha venido a matar. Clotaldo se debate de nuevo
entre ayudar a su lealtad y su a su país.
Acto 2, segundo día
En el segundo día,
sabemos por qué Segismundo es encarcelado en una mazmorra desde que nació: un
oráculo predijo que sería un rey cruel, por lo que su padre, Basilio, incluido
él. Basilio ha ideado una trampa para descubrir si Segismundo es realmente
cruel: está drogado, se tuvieron en el palacio, y se presentó con su posición
que le corresponde, reservándose la posibilidad de hacerle creer que todo es un
sueño para que no se comportan injustamente.
Rosaura es seguro,
y entra como un asistente de Estrella.
Segismundo se
comporta como un príncipe tirano, lanzando un funcionario de la ventana poco
después de despertar, en un intento de violación Rosaura, Clotaldo daño cuando
se trata de ayudar a su hija, y la participación de sí mismo en una lucha a
espada con Astolfo. A la luz de su comportamiento, el rey decide droga lo nuevo
y lo llevan de nuevo a la torre.
Astolfo tribunales
Estrella, ya que con su unión compartirían la sucesión al trono en lugar de competir
por una vez Segismundo está fuera de la imagen. Astolfo reconoce a Rosaura (que
va por el nombre de Astrea), y se rompen para siempre.
El día termina con
Segismundo, una vez más en la torre, preguntándose si todo podría haber sido un
sueño, y se cierra con los famosos versos que dan nombre a la obra:
Yo sueño que estoy
aquí
de estas prisiones
cargado,
y soñé que en otro
estado
más feliz me vi.
¿Qué es la vida?
Un frenesí.
¿Qué es la vida?
Una ilusión,
Una sombra, una
ficción,
Y el mayor
beneficio es pequeño;
Para toda la vida
es un sueño,
Y los sueños, no
son más que sueños.
Yo que Sueño Estoy
Aquí
Estas Cargado de
Prisiones,
y soñé Que en Otro
Estado
Más lisonjero me
vi.
¿Qué es la Vida?
Un frenesí.
¿Qué es la Vida?
Una Ilusión,
Una sombra, Ficción
una,
Bien y el Mayor es
Pequeño:
Que Toda La Vida
es Sueño,
los sueños y, el
hijo de sueños.
Ley N º 3, el día tres
El pueblo de
Polonia, al descubrir que tienen un príncipe, organizar una revuelta y liberar
a Segismundo de su torre (después de la primera confundiendo Clarion para el
príncipe). Segismundo libera a Clotaldo, que le permite ir con el rey, y
mostrar que ha vuelto a sus sentidos.
Rosaura quiere
matar a Astolfo, y le dice sus razones a su padre en primer lugar, y luego a
Segismundo.
Las tropas del rey
y las tropas del príncipe se encuentran, y gana Segismundo. El encuentro de dos
cara a cara, y el rey se arroja a los pies de Segismundo, permitiendo que la
profecía que se cumple, pero en vez de matarlo Segismundo le perdona. A la luz
de la generosa actitud del príncipe, el rey le concede el trono.
Como rey,
Segismundo decide que Astolfo debe mantener su promesa de casarse con Rosaura
para preservar su honor. Al principio Astolfo no se atreve porque ella no es de
origen noble, pero a continuación, Clotaldo público revela que ella es su hija,
por lo que consiente Astolfo. Segismundo a continuación se compromete a casarse
con Estrella a sí mismo.
Análisis de los soliloquio de Segismundo
La vida es sueño
es una de las obras más estudiadas y conocidas de Calderón. Este interés no
sólo proviene de la filosofía compleja de la obra, sino también de su
estructura dramática notable. Sin embargo, desde que Marcelino Menéndez y
Pelayo's 1910 la clasificación de la Vida es un Sueño como un drama filosófico,
la crítica ha habitado en gran parte en el existencial temas de la obra, a
menudo a costa de pagar una atención específica a sus características formales
dramática.
A pocas ideas
centrales constituyen los grandes temas filosóficos de la obra: la oposición
entre el destino y la libertad, el tema de la vida como un sueño, y el tema del
libre albedrío. Estos temas centrales eclipsar otros temas actuales, como la
educación de príncipes, el modelo de gobernante, el poder y la justicia.
Centrándose en la
línea de Segismundo, "Y Los sueños, el hijo de sueños", una
traducción en Inglés más preciso, mejor representan a la intención poética y
filosófica de Calderón, se puede administrar como: "Y los sueños sí mismos
no son más que los sueños de los sueños", lo que implica y subrayando lo
efímero la naturaleza de la vida humana y la existencia física.
La subparcela Rosaura
La trama
secundaria Rosaura ha sido objeto de muchas críticas en el pasado como no
pertenecientes a la obra. Menéndez y Pelayo lo vieron como un argumento extraño
y exótico, como una vid parasitaria. Rosaura también ha sido desestimado por el
carácter de acciones simples de la mujer despechada. Para algunos Rosaura debe
ser estudiada como parte de un ascenso platónico por parte del Príncipe. Otros
comparan su primera aparición, la caída de un caballo hipogrifo a la trama de Ariostos
Orlando furioso, donde Astolfo (el nombre del personaje que engaña a Rosaura en
nuestro juego), también monta el hipogrifo y testigos de una profecía del
retorno de la mítica edad de oro. Para Frederick de Armas, Rosaura se esconde
un misterio mitológico ya utilizadas por Ariosto. Cuando va a la corte, ella
toma el nombre de Astrea, la diosa de la castidad y la justicia. Astraea era el
último de los inmortales para dejar la tierra con la disminución de las edades.
Su regreso marca el retorno de una Edad de Oro. Muchos escritores del
Renacimiento y principios del período moderno utilizan la figura de Astraea para
alabar a los gobernantes de su época. Es posible que Rosaura (un anagrama de
"Amanece") puede representar el retorno de una Edad de Oro durante el
reinado de Segismundo, una cifra que representa el rey Felipe IV de España.
Análisis de la final
Ha habido muchas
interpretaciones diferentes de poner fin a la obra, donde Segismundo condena el
soldado rebelde que lo liberó a cadena perpetua en la torre. Algunos han
sugerido que esta escena es irónico - que plantea interrogantes acerca de si
Segismundo, de hecho, ser un rey justo. Otros han señalado que Calderón, que
vivió bajo la monarquía española, no podría haber salido del soldado rebelde
sin castigo, porque esto sería una afrenta a la autoridad real.
Vale la pena
considerar que la transformación de Segismundo en el transcurso de la obra no
es simplemente un despertar moral, sino una realización de su rol social como
el heredero al trono, y el papel de esta le obliga a actuar como actúan los
reyes. Para algunos, el acto de castigar al soldado rebelde lo convierte en un
príncipe maquiavélico.Otros sostienen
que, si bien esta acción puede parecer injusto, que está en consonancia con su
condición social como el nuevo rey. Daniel L. huellas Heiple una larga
tradición de obras donde la traición parece ser recompensado, pero el traidor o
rebelde es posteriormente castigado.
Es muy posible
que, en lugar de la intención de su público para ver esta acción como puramente
bien o mal, Calderón hizo a propósito ambigua, creando una interesante tensión
en la obra que se suma a su profundidad.
Modelos y Temas
La concepción de
la vida como un sueño es muy antigua, que se encuentran en el hinduismo y el
platonismo. Se encuentra en escritores de Lope de Vega a Shakespeare.
Los elementos
clave de la obra se puede derivar de la leyenda cristiana de Barlaam y Josafat,
que Lope de Vega había traído a los escenarios. Esta misma leyenda de una
derivación de la historia de los primeros años de Siddharta Gautama , que sirve
de base para la película Pequeño Buda que ilustra de modo que el concepto
hindú-budista de la realidad como ilusión .
Otro de los
conceptos religiosos es el de libre albedrío contra la predestinación. España
católica a favor de la contra-reforma que define la voluntad humana como la
posibilidad de elegir el bien (en colaboración con la gracia de Dios), en
contra de la concepción calvinista de la depravación total de la voluntad
humana a menos que está predestinado por Dios para ser renovado por la gracia.
Segismundo elige perdón contra el oráculo.
El catolicismo es
fusionado con "paganos" la astrología en esta obra, como Segismundo
horóscopo, según la interpretación de Basilio, se convierte en la causa de su
encarcelamiento. Calderón habría sabido de las cualidades maléficas de Saturno,
aquí asociadas a Basilio. Él también habría conocido de Lope de Vega Lo Que ha
de ser (1624), una obra que también incluye el encarcelamiento de un niño y la
importancia de la astrología.
Uno de los
principales conflictos de la obra es la oposición entre padre e hijo, que puede
tener elementos biográficos.Este
conflicto también está inspirado en la mitología clásica. Es paralela a la
lucha de Urano vs Saturno o Júpiter, Saturno. Muchos otros motivos y los temas
derivados de una serie de tradiciones se pueden encontrar en este complejo y
rico en drama: el laberinto, el monstruo, los cuatro elementos, las nociones de
libertad frente a la predestinación, el pecado original, el orgullo, la
desilusión, el mito de Edipo, etc.
Las
obras de los simbolistas se caracteriza por una preocupación por los estados de
ánimo y sensaciones transitorias en lugar de las declaraciones y descripciones
lúcidas, el deseo de aprehender la existencia de un reino trascendental de ser
donde se podía estar en comunión con la esencia innata de la vida y un interés
en lo morboso o esotérico.
Los
poetas simbolistas convencionales rechazaron los valores religiosos, sociales y
morales, adoptando en cambio una evasión y la atracción de lo exótico.
También
se reaccionó fuertemente contra las técnicas tradicionales de sus antepasados
poéticos, y se repudió el modo de ficción entonces dominante de los
naturalistas, escritores que trataron de representar la vida humana en términos
de fuerzas físicas y biológicas y prestados sus obras en prosa sencilla. En
cambio, los poetas simbolistas se refiere principalmente a la expresión de la
experiencia interna, y su enfoque a menudo, como resultado escribieron obras que
fueron intencionalmente oscuras y muy personales.
EL SIMBOLISMO FRANCÉS
El
simbolismo francés fue un movimiento literario complejo e influyente que
floreció durante las dos últimas décadas del siglo XIX. Aunque el simbolismo
término fue aplicado por primera vez por Jean Moréas en 1886, los principios de
estilo, temática y filosófica de este movimiento poético se estableció
anteriormente en la obra de Charles Baudelaire, Paul Verlaine, Arthur Rimbaud y
Stéphane Mallarmé.
Aunque se puede decir que tienen su origen
décadas atrás, el movimiento simbolista surgió formalmente a mediados de la
década de 1880 como una reacción a las críticas negativas que había sido
dirigido a los poetas franceses, quienes batallaban para entonces en contra del
romanticismo europeo, el cual estaba en auge sobre todo en Alemania, donde el
simbolismo tuvo menor éxito.
A
finales del siglo XIX, los simbolistas prácticamente habían desaparecido de la
escena literaria francesa. Las muertes de las principales figuras del
movimiento, incluyendo provocaron una fuerte caída. Aunque el momento de los
poetas simbolistas fue corta duración en la historia de la literatura francesa,
su efecto sobre el curso posterior de la literatura mundial ha sido duradera y
profunda, la influencia del simbolismo poético predominó durante décadas en
todo el mundo.
De
los varios intentos de definir la esencia del simbolismo, tal vez ninguno fue
más influyente que Paul Verlaine. En 1884 publicó de una serie de ensayos en los que demostró estilos
de exquisitos de escritura y la idiosincrasia. Se le retrata también como un poeta que va en contra de la sociedad,
teniendo vida trágica, y dado a menudo a las tendencias autodestructivas. Estos
rasgos no eran obstáculos, pero las consecuencias de sus dotes literarias
acaecían muy a menudo sobre él la crítica de muchos y la admiración de otros. Abrió
su colección con el poema “Bendición”, que describe un poeta cuya serenidad
interna permanece inalterada por el desprecio de la gente que lo rodea.
En
esta concepción del genio y el papel del poeta, Verlaine se refirió
indirectamente a la estética de Arthur Schopenhaue, (el filósofo del pesimismo),
quien sostuvo que el propósito del arte es proporcionar un refugio temporal del
mundo de la lucha de la voluntad.
CHARLES
BAUDELAIRE
Nacido
el 9 abril de 1821 y murió el 31 agosto de 1867. Fue un gran poeta francés que
produjo una notable labor como ensayista, crítico de arte, y pionero traductor
de Edgar Allan Poe. Su obra más famosa, Las flores del mal expresa la
naturaleza cambiante de la belleza en el moderno e industrializado de París
durante el siglo XIX. Estilo muy original de Baudelaire de la prosa-poesía
influyó a toda una generación de poetas. Se le atribuye haber acuñado el
término "modernidad" para designar la experiencia fugaz, efímera de
la vida en las metrópolis urbanas, y el arte de la responsabilidad tiene que
capturar esa experiencia.
Como
puede fácilmente apreciarse, Baudelaire fue un participante activo en la vida
artística de su época. Como crítico y ensayista, escribió extensamente y
perspicazmente sobre las luminarias y los temas de la cultura francesa.
Baudelaire
se familiarizó con las obras de Allan Poe, en el que se encontró con cuentos y
poemas que tenía, pero nunca concretado. Baudelaire tenía mucho en común con
Poe. Los dos poetas mostrar una sensibilidad similar de la macabra vuelta y
sobrenatural de la mente, cada uno luchando con la enfermedad, la pobreza, y la
melancolía. Al igual que Poe, Baudelaire creía en la doctrina del pecado
original, denunció la democracia y la idea de progreso y de la bondad natural
del hombre, y Poe llevó a cabo una actitud de desdén aristocrático similar a la
de Baudelaire dandi. A partir de este momento hasta 1865, fue ocupada en gran
parte con la traducción de las obras de Poe, sus traducciones fueron
ampliamente elogiadas. Baudelaire no fue el primer traductor francés de Poe,
pero sus "traducciones escrupulosas" fueron consideradas entre los
mejores.
Las flores del mal (Obra de Charles Baudelaire).
Baudelaire
público en 1857 su primer volumen y más famoso de los poemas “Las flores del
mal”.
Los
poemas encontraron una pequeña audiencia, agradecida, pero la atención del
público se le dio a su tema. Los principales temas de sexo y la muerte eran
considerados escandalosos. También se refirió al lesbianismo, el amor sagrado y
lo profano, la metamorfosis, la melancolía, la corrupción de la ciudad, la
inocencia perdida, la opresión de la vida, y el vino. Notables en algunos de
los poemas de Baudelaire es el uso de las imágenes del sentido del olfato y de
las fragancias, que se utiliza para evocar sentimientos de nostalgia y la
intimidad del pasado, esto último lo noto muy utilizado hoy en día por la más
reciente generación de poetas venezolanos.
El
libro, sin embargo, rápidamente se convirtió en un sinónimo de insalubridad
entre los críticos de la corriente principal de la jornada. Algunos críticos
calificaron algunos de los poemas de "obras maestras de la pasión, el arte
y la poesía", pero otros poemas se consideraron que no merecen menos que
una acción legal para reprimirlos.
A
Baudelaire, su editor y la editora responsable en la impresión, se les enjuició
con acusándolos de delito contra la moral pública. Fueron multados, pero Baudelaire
no era encarcelado. En mi opinión personal su escritura era sin lugar a dudas
muy atrevida para su época (y en ciertas culturas aun para esta época). Seis de
los poemas fueron suprimidos, pero más tarde impresa como “los restos”. Una nueva
edición de Las Flores del Mal, pero con adiciones considerables, apareció en
1861. Muchas personas notables se reunieron detrás de Baudelaire y no
estuvieron de acuerdos con la sentencia. Víctor Hugo le escribió: "Sus
Flores del Mal brillan y deslumbran como las estrellas... Aplaudo su espíritu
vigoroso con todas mis fuerzas ". Baudelaire no apeló la sentencia, sino que
la multa se redujo.
La Filosofía de Charles Baudelaire
Muchas
de las proclamas filosóficas de Baudelaire fueron consideradas escandalosas e
intencionalmente provocativa en su tiempo. Escribió sobre una amplia gama de
temas, generó críticas y la indignación de muchos sectores.
Amor: "No es un gusto invencible de la prostitución en
el corazón del hombre, de donde proviene el horror de la soledad. Él quiere ser
"dos ". El hombre de genio quiere ser "uno"... Este es el
horror de la soledad, la necesidad de perderse en la carne externa, que el
hombre noble llama "la necesidad de amor '".
Matrimonio: "No se puede suprimir
el amor, la Iglesia quería al menos desinfectar algo, por eso se creó el
matrimonio".1
Placer: "Personalmente, creo que el placer único y
supremo radica en la certeza de hacer el mal, y los hombres y las mujeres saben
desde el nacimiento que todo el placer reside en el mal ". 2
Política: Adoptó puntos de vista cada
vez más aristocrático. En su diario, escribió: "No hay forma de gobierno
racional y seguro de salvar a una aristocracia. Una monarquía o una república,
basado en la democracia, es igualmente absurdo y débil. Las náuseas inmensas de
publicidad. No hay más que tres seres dignos de respeto: el sacerdote, el
guerrero y el poeta. Conocer, para matar y para crear el resto de la humanidad
pueden someterse a imposición, que nacen de la cuadra, es decir, poner en
práctica lo que ellos llaman las profesiones"
Influencias de Baudelaire
La
influencia de Baudelaire en la dirección de la literatura en lengua francesa
moderna fue considerable. Los escritores franceses más importantes a venir
después de él fueron muy generosos con sus homenajes, cuatro años después de su
muerte, Arthur Rimbaud lo elogió en una carta como "el rey de los poetas”,
y posteriormente fue considerado “El Más Grande Poeta del Siglo XIX”.
Walter
Benjamin traduce las obras de Baudelaire al alemán y publicó un ensayo importante
en la traducción como el prólogo. En la actualidad, la Universidad de
Vanderbilt ha creado una de las colecciones del mundo más completa sobre
Baudelaire.
PAUL
VERLAINE
Nacido
en Francia, el 30 de marzo de 1844, y muerto el 8 de enero de 1896, el poeta
asociados con el movimiento del simbolismo. Se le considera uno de los mayores
representantes de la poesía francesa.
Gran
parte de la poesía francesa producida durante el fin de siglo XIX se ha
caracterizado como "decadente "por su contenido morboso o una visión
moral. En una vena similar, Verlaine utilizó la expresión “Poeta maldito” en
1884 para referirse a una serie de poetas como Stéphane Mallarmé y Arthur
Rimbaud, que habían luchado contra las convenciones poéticas y sufrieron
reproches sociales o fueron ignorados por los críticos. Pero con la publicación
de “Jean Moréas” obra que no era más que un manifiesto simbolista en 1886. Fue
el término simbolismo el que se aplica con mayor frecuencia en el medio
ambiente literario nuevo. Junto con Verlaine, Mallarmé, Rimbaud, Paul Valéry,
Albert Samain y muchos otros comenzaron a ser conocido como
"simbolistas". Estos poetas solían compartir los temas que son
paralelos a la estética de Schopenhauer y las nociones de la voluntad, la
fatalidad y fuerzas inconscientes, y los temas utilizados en el sexo, como por
ejemplo prostitutas de la ciudad, fenómenos irracionales, delirios , sueños,
drogas, alcohol; y a veces vagamente una toque medieval.
En la
poesía, el procedimiento simbolista, como lo ejemplifica Verlaine, fue utilizar
la sugerencia sutil en lugar de la declaración precisa (la retórica fue
prohibida) y para evocar estados de ánimo y sentimientos a través de la magia
de las palabras y los sonidos repetidos y la cadencia del verso (musicalidad) y
métricainnovación, haciendo sin lugar a dudas la poesía más hermosa y armónica.
Su
poesía fue admirada y reconocida como pionera, y sirvió como fuente de
inspiración para los compositores.
Su vida amorosa y el cambio en sus obras.
Verlaine
viviendo en París en septiembre de 1871 recibió la primera carta del poeta Jean
Arthur Rimbaud. Para 1872, había perdido interés en su esposa Matilde, y
efectivamente la abandonó a ella y a su hijo, prefiriendo la compañía de su
nuevo amante, el poeta Rimbaud, con quien tuvo relación tormentosa que los
llevó a Londres en 1872. En julio de 1873 en un ataque de fuerte embriaguez,
sintiéndose celoso, le disparó dos tiros con una pistola a Rimbaud, hiriendolo
en su muñeca izquierda, aunque no lo hirieron gravemente. Como resultado directo
de este incidente, Verlaine fue arrestado y encarcelado en Mons, donde fue
sometido a una conversión al catolicismo romano, que a su vez influyó en sus
obras en las cuales ya se apreciaba un punto de vista más espiritual.
En
los últimos años de su vida Verlaine vio su descenso a la adicción a las
drogas, el alcoholismo y la pobreza. Vivió en los barrios pobres y los
hospitales públicos, y pasó sus días bebiendo en los cafés de París.
Afortunadamente, el amor de los franceses por las artes fue capaz de resucitar,
apoyar y aportar un ingreso a Verlaine, sus primeros poemas fueron
redescubiertos, su estilo de vida y un comportamiento extraño frente a la
multitud atraía admiración, y en 1894 fue nombrado “El Príncipe de los Poetas
de Francia”.
CONCLUSIÓN
El
simbolismo es a menudo reconocido como la fuente del genio artístico moderno,
caracterizado por la experimentación formal y la alienación de la sociedad. La
finalización de las evaluaciones académicas de la poética simbolista, sin
embargo, ha permanecido tan elusivo como algunas de las obras más profundamente
enigmáticas compuesto por Baudelaire o Verlaine.
Baudelaire
es tan resaltante en el simbolismo que sería imposible hacer referencia del
simbolismo sin hablar de Baudelaire, hablar de Baudelaire es hablar del
simbolismo.
Notas:
1. Nadie con un sentido armónico de lo que debe ser la sociedad, atacaría de alguna forma al matrimonio, ya que la sociedad esta cimentada en él, lo contrario sería el rechazo al amor, la moral y la familia, siendo este último, un orden de vida observado aún en los animales.
2. En lo personal proclamo una crítica a este pensamiento de Baudelaire, el cual revela su pobreza espiritual y moral, puesto que los mayores placeres de la vida residen en hacer el bien: Amar, perdonar, la satisfacción de un trabajo bien hecho, la amistad, la humildad, educar (que no es lo mismo que simplemente enseñar), ayudar al prójimo, y poner esperanzas en aquellos que no tienen ninguna.
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